Sexo, valentía y compromiso social: los ingredientes fundamentales de Sofia

Sofía, de 20 años, vive con sus padres en Casablanca. Después de negar el embarazo, se encuentra en la ilegalidad al dar a luz a un bebé fuera del matrimonio. El hospital le da 24 horas para comunicarles la identidad del padre o alertarán a las autoridades.

GENEZIS: Los estragos de la extrema derecha

COLETTE: La mujer que revolucionó Francia

FICHA TÉCNICA

Título original: Colette. - Año: 2018. - Nacionalidad: Reino Unido. - Director: Wash Westmoreland. - Actores: Keira Knightley, Dominic West, Denise Gough, Fiona Shaw, Robert Pugh, Rebecca Root, Eleanor Tomlinson, Aiysha Hart. - Guionista: Richard Glatzer, Wash Westmoreland, Rebecca Lenkiewicz. - Fotografía: Giles Nuttgens. - Música: Thomas Adès. - Producción: Bold Films, Killer Films, Number 9 Films, BFI Film Fund. - Género: Drama. - Duración: 112 min. - Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años. - Fecha de estreno: 16/11/2018. 

SINOPSIS

Colette, una mujer inconformista criada en un entorno rural, se casa con el carismático y egocéntrico intelectual Willy. Willy introduce a Colette en la bohemia del París de principios del siglo XX y le pide que escriba novelas basadas en su experiencia, que serán publicadas bajo el nombre de su marido. Cuando la saga de novelas Claudine le catapulta al estrellato,

LA MONTAÑA ENTRE NOSOTROS: Un drama romántico demasiado previsible

FICHA TÉCNICA

Título original: The Mountain Between Us. - Año: 2017. - Nacionalidad: Estados Unidos. - Director: Hany Abu-Assad. - Actores: Idris Elba, Kate Winslet, Beau Bridges, Dermot Mulroney, Linda Sorensen, Vicent Gale. - Guionista: J. Mills Goodloe, Charles Martin, Chris Weitz. - Música: Ramin Djawadi. - Producción: Chernin Entertainment, Twentieth Century Fox Film Corporation. - Género: Drama. Duración: 103 min. - Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años. - Fecha de estreno: 06/10/2017

SINOPSIS

Abandonados a su suerte después de un trágico accidente aéreo, dos desconocidos deben establecer una relación para sobrevivir a la desatada furia de los elementos en una remota montaña cubierta de nieve. Cuando se dan cuenta de que no les va a llegar ayuda alguna, emprenden un aterrador viaje a través de cientos de millas de tierras inhabitadas, alentándose mutuamente para soportar las dificultades y dando origen a una inesperada atracción. 

CRÍTICA

La montaña entre nosotros empieza llevando a su máxima expresión el dicho: "vísteme despacio, que tengo prisa. Y es que ya es mala suerte que te cancelen un vuelo el día antes de tu boda o de tener 

EL ESCÁNDALO TED KENNEDY: EL CAPÍTULO MÁS SOMBRÍO DE LA FAMILIA

FICHA TÉCNICA

Título original: Chappaquiddick. Año: 2017. Nacionalidad: Estados Unidos. Director: John Curran. Actores: Jason Clarke, Kate Mara, Bruce Dern, Ed Helms, Jim Gaffigan, Taylor Nichols, John Fiore, Andria Blackman, Lexie Roth, Tamara Hickey, David De Beck, Damien Di Paola, Matthew Lawler, Beth Petrou, Victor Warren. Guionistas: Taylor Allen, Andrew Logan. Fotografía: Maryse Alberti. Música: Adam Wiltzie. Producción: Apex Entertainment. Género: Drama, Thriller. Duración: 107 min. Calificación por edades: No recomendable para menores de 12 años. Fecha de estreno: 21/09/2018

SINOPSIS

Estados Unidos, 1969. No se sabe a ciencia cierta qué ocurrió en el punte de Chappaquiddick. Lo único de lo que no hay duda es de que hubo un incidente que acabó con la muerte de una joven y con todas las opciones del hermano menor de los Kennedy de convertirse en presidente de los Estados Unidos. 

CRÍTICA

No hay familia que resulte más atrayente para los americanos que la de los Kennedy. Y no es de extrañar, puesto que en ellos se produce tal combinación de poder, escándalos y muertes extrañas que su historia resulta más entretenida que la de muchas series de televisión. 

El cabeza de familia de los Kennedy era Joe, un mercader un tanto sombrío que había hecho fortuna durante la época de la Ley Seca gracias a turbios negocios. Pero había algo que anhelaba Joe con todo su corazón y que no llegó a ver cumplido más que fugazmente: que uno de sus hijos fuera presidente de los Estados Unidos. Si todas las dificultades que han sufrido este clan a lo largo de sus vidas ha sido casualidad, castigo divino o si detrás hay algún grupo de personas siniestras quizás nunca llegue a saberse. 

De cualquier modo, lo que no tiene discusión posible es que uno tras otro, cada uno de los vástagos de Joe Kennedy murieron al poco de conseguir cierta relevancia política. El primero en fallecer fue Joseph, cuando, al poco de haber sido elegido delegado de la Convención Nacional Demócrata (1940), sufrió un accidente aéreo en la Segunda Guerra Mundial. A su hermanos John Fitzgeral le sorprendería la muerte dos décadas más tarde (1963), en un misterioso atentado. Pero sería aún más extraño el que le sucedió a su hermano Bob durante la campaña para ser elegido líder del Partido Demócrata. El pequeño de la dinastía, Edward Moore "Ted" Kennedy fue el único que murió de causas naturales (2009), pero no por ello se libró de vivir un capítulo que le perseguiría en sus pesadillas y que dinamitó para siempre todas las opciones que hubiera tenido de convertirse en uno de los habitantes de la Casa Blanca. Estamos hablando del conocido como "incidente de Chappaquiddick", acaecido poco después de que Ted Kennedy hubiera sido elegido senador de Massachussetts y fuera percibido por la opinión pública como un gran candidato para presidir el Partido Demócrata en las elecciones de 1972. 

Pues bien, John Curran ha querido revitalizar en su última película este suceso que tuvo lugar el 18 de julio de 1969 y que ya ha sido olvidado por muchos. 

Aquel día todo estaba dispuesto para la gran fiesta que Ted Kennedy quería ofrecerles a sus amigos. En ella, el alcohol corría por doquier y los pocos filetes que habían comprado para la celebración no eran suficientes para contrarrestar sus efectos. En determinado momento, el senador de Massachusetts abandonó el lugar, acompañado de Mary Joe Kopechne, una de las intelectuales que le ayudaban en su campaña. Se montaron en un coche y fueron a dar un paseo. Pero entonces, por motivos que nunca se esclarecieron, el pequeño de los Kennedy dio un volantazo y el coche cayó al agua y se hundió. Él consiguió salir a flote, pero ella no. Aquel día dejó dos incógnitas que jamás se resolvieron: ¿Por qué no la ayudó a salir del automóvil? ¿Por qué tardó diez horas en llamar a la Policía?     

A causa de esto, Ted Kennedy fue condenado a dos años de cárcel por denegación de auxilio y por abandono del lugar. Muchos dijeron que era una pena muy leve para la gravedad del hecho. Sin embargo, el juez pensó que la verdadera condena sería la que tendría que sufrir en la calle. Sea como fuere, la verdad es que aquel día se truncaron de golpe todas sus posibilidades de convertirse en Presidente de Estados Unidos, pero una campaña de marketing orquestada por los mejores asesores del continente americano consiguieron que se le eligiera como senador de su Estado hasta siete veces consecutivas. 

CUANDO LOS ÁNGELES DUERMEN

ERREMENTARI: EL HERRERO DEL DIABLO. MITOLOGÍA E HISTORIA DE VASCONIA SE MEZCLAN PARA CREAR UNA DE LAS MEJORES OBRAS FANTÁSTICAS DE LOS ÚLTIMOS AÑOS

FICHA TÉCNICA

Título original: Errementari. Año: 2018. Nacionalidad: España / País Vasco. Director:   Paul Urkijo. Actores: Kandido Uranga, Eneko Sagardoy, Uma Bracaglia, Ramón Aguirre, Gorka Aguinagalde, Josean Bengoetxea. Guionista: Paul Urkijo Alijo. Música: Xabat Lertxundi. Producción: Gariz Produkzioak, Ikusgarri Films, Kinoskopik s. l., Pokeepsie Films, The Project. Género: Terror. Calificación por edades: Pendiente de calificación. Fecha de estreno: 02/03/2018.

SINOPSIS

Han pasado 10 años desde la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoniacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

CRÍTICA

En los últimos tiempos, el cine rodado en euskera se ha convertido en sinónimo de calidad. Para ilustrar esto -aunque se podrían recordar muchos más títulos-, basta con pensar en la bellísima y emotiva Loreak o en Handia, recientemente ganadora de diez premios Goya. Errementari, el último largometraje filmado en esta lengua, tampoco se queda atrás en cuanto a sus virtudes.

Para elaborar el guion, Paul Urkijo quiso hacer un homenaje a sus lecturas infantiles y juveniles, repletas de mitos y elementos folklóricos y fantásticos. Su relato favorito de niño, Patxi Errementaria o Patxi el herrero, ha sido la fuente de inspiración principal de la obra. Se trata de un cuentecillo tradicional muy conocido en el País Vasco que narra la historia de un herrero tan malévolo que es capaz de engañar a los tres demonios que le envían para llevarle a un infierno al que, posteriormente, no le dejarán ni siquiera entrar. Sin embargo, Urkijo quería dotar de una mayor complejidad al herrero, explicando por qué se había convertido en un ser tan aparentemente terrible, lo que ha conseguido, principalmente, mediante la fusión del mito de Fausto con la leyenda anteriormente citada y un desarrollo posterior totalmente inventado.

Otro de los elementos que se han añadido al relato tradicional ha sido la ubicación en un espacio geográfico - temporal concreto (en un pueblo rural y hacia 1843 para ser más exactos), con la finalidad de dotar al largometraje de una estética visual poderosa que lo acerca a los cuentos lúgubres y góticos. Además, como dirá el cineasta vitoriano “el contexto de esa época era interesante. Nacía un movimiento de pensamiento ilustrado, más revolucionario en las urbes y que chocaba con un tipo de pensamiento más tradicionaiista de los pueblos, donde los curas mandaban y hablaban del diablo y había mucha superstición. Todo eso era muy interesante para contar un cuento de demonios”.

Para aumentar esa atmósfera poderosa, también fue muy importante la intervención de lingüistas tan prestigiosos como Koldo Zuazo, experto en dialectología y académico de Euskaltzaindia, puesto que Errementari ha sido rodada en un dialecto del euskera hoy extinto -el alavés-, lo que contribuye a aportar un ambiente aún más legendario, tanto para los vascoparlantes como para los que no*.

La mezcla de todos los elementos enumerados (goticismo, historia, leyendas -y especialmente las más amadas por ser propias-, idioma arcaico), a los que habría que sumar los toques de humor que tenía Patxi Errementaria y que, en cierta forma, ha sabido conservar el film; la soberbia actuación de Eneko Sagardoy y los consejos de Alex de la Iglesia, convierten a Errementari en una de las mejores propuestas que se han realizado dentro de su género en los últimos años.

* Debido a que el idioma es un elemento importante para crear la atmósfera, recomiendo ver la película en versión original subtitulada. Mientras que los vascoparlantes percibirán un euskalki exótico, con muchas diferencias fonéticas, pero fácilmente comprensible, los que no lo son podrán gozar con la fuerza del sonido original.

CAVERNÍCOLA: HUMOR Y FÚTBOL, INGREDIENTES DE LA ÚLTIMA PELÍCULA DE AARDMAN

FICHA TÉCNICA

Título original: Early Man. Año: 2018. Nacionalidad: Reino Unido, Francia. Director: Nick Park. Actores: Tom Hiddleston, Maisie Williams, Eddie Redmanyne (en inglés); Mario Vaquerizo, Chenoa, Hugo Silva (en español). Guionista: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell, Nick Park. Música: Harry Gregson-Williams, Tom Howe. Producción: Aardman Animations, Studio Canal. Género: Animación. Duración: 91 min. Calificación por edades: Para todos los públicos. Fecha del estreno: 02/02/2018.

SINOPSIS

Dug, cavernícola, y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse un hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros le enseñaron: con “el juego sagrado”. ¡Un partido llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth.

CRÍTICA

Cavernícola es la última película de Aardman, la famosa productora de animación de Bristol, creadora de películas como Chicken Run: evasión en la granja, Wallace y Gromit o La oveja Shaun. 

Creada a partir de muñecos de plastilina tan perfectos que parecen figuras de ordenador y rodada mediante la técnica de la stop motion, el largometraje cuenta el choque entre dos civilizaciones: una pacífica e ingenua -representada por la Edad de Piedra- y otra presuntuosa y destructiva -ilustrada por la Edad de Bronce-, la cual quiere quedarse con el territorio en el que vive la anterior por la fuerza.

Sin embargo, Dug, el más valiente y soñador de la tribu de la Edad de Piedra, consigue un trato: si gana la civilización más atrasada, serán libres para siempre; si pierden, deberán trabajar como esclavos en las minas de la civilización más moderna.

Este argumento sencillo rozando en lo simplón (eso sí, totalmente desternillante), esconde, sin embargo, importantes valores que deberíamos encargarnos de enseñar a nuestros niños y jóvenes: el respeto a la mujer, el compañerismo, el esfuerzo para conseguir lo que uno quiere, la apertura a las opiniones e ideas de los que no son como nosotros… son solo algunas de ellas. Así, Val, la futbolista perteneciente a la Edad de Bronce pero a la que únicamente puede jugar a escondidas en su civilización, dará una valiosa lección a aquellos que no la permitían jugar; el equipo de la Edad de Piedra nos mostrarán aquello de que “la unión hace la fuerza”, Dug será todo un ejemplo de lucha y superación y el jefe de la tribu paleolítica acabará aprendiendo a escuchar al gran soñador de su civilización.

Por otra parte, la filmación nos deja una pregunta: ¿no estará siendo Occidente como la Edad de Bronce? ¿Qué derecho tenemos a exprimir y a quitar a los demás pueblos la riqueza que les pertenece? ¿No nos estaremos condenando por nuestra avaricia desmedida?

En definitiva, Cavernícola es de esas películas pensadas especialmente para niños pero que se puede disfrutar a cualquier edad, gracias a los distintos niveles de complejidad que permite. Y, además, viene aderezadas con mucho humor.

Tráiler en español

Tráiler en inglés

EL MAR NOS MIRA DE LEJOS. Una mirada llena de poesía sobre los últimos habitantes de Doñana

FICHA TÉCNICA

Título original: El mar nos mira de lejos. Año: 2017. Nacionalidad: España. Director: Manuel Muñoz Rivas. Fotografía: Mauro Herce. Música: Joaquín Pachón. Producción: Azhar Media, CTM Docs, El viaje Films, 59 en conserva. Género: documental / cine experimental. Duración: 93 min. Calificación por edades: Pendiente de calificar. Fecha de estreno: 19/01/2018.    

SINOPSIS

Entre el documental y la ficción, la leyenda de una antigua y olvidada civilización yace enterrada bajo grandes extensiones de dunas en el sur de España. Desde hace algo más de un siglo, varios viajeros han llegado hasta ese recóndito territorio buscando las huellas de antiguos pobladores, tal vez los restos de una ciudad sepultada por las arenas, o acaso una suerte de utopía extraviada. Ignorantes de esos mitos y de las ilusiones románticas de arqueólogos y aventureros, unos pocos hombres, apenas visibles entre los arenales, habitan hoy en soledad ese lugar frente al mar.

CRÍTICA

El mar nos mira de lejos es la ópera prima de Manuel Muñoz Rivas, aunque algunos de sus rasgos formales y estéticos, así como su mirada poética pueden resultar familiares para los espectadores que hayan visto películas como Arraianos (Eloy Enciso), Slimane (José A. Alayón) o Dead slow ahead (Mauro Herce), puesto que todos estos cineastas se formaron juntos en la EICTV de San Antonio de los Baños (Cuba), son colaboradores habituales -intercambiando los roles- en las mismas películas y conforman una “familia creativa”.

El mar nos mira de lejos es una película complicada, no apta para todos los públicos. No es una cinta que busque atrapar al espectador; más bien parece que quisiera repelerlo mediante un ritmo narrativo excesivamente lento, largos silencios y un argumento que se cuenta casi en exclusiva por la sucesión de imágenes, dejando un arduo trabajo para la mente de quien la contempla.   

Sin embargo, quien consiga mantener su mirada fija en la pantalla, se verá recompensado. Esa velocidad narrativa nos irá introduciendo poco a poco, casi sin darnos cuenta, en un mundo visual repleto de poesía.

El centro geográfico de ese universo se ubica en Doñana, en sus dunas y también en sus playas vírgenes. Entre esos parajes por donde casi nunca pasa nadie, con la excepción de algunos turistas o los peregrinos de la romería del Rocío, aún perviven algunas personas solitarias, últimos representantes de unos estilos de vida al borde de la extinción.

Las actuales imágenes en color contrastan con fotos en blanco y negro que nos llevan a tiempos pasados, a épocas en las cuáles los modos de vida que hoy languidecen eran la forma de vivir mayoritaria.

Por otra parte, las alusiones que se hacen en la película a los expedicionarios que han tratado de encontrar Tartessos, aún sin éxito, nos lleva a plantearnos cuánto quedará de esos mundos a punto de desaparecer; si, para los habitantes del futuro, no serán también leyendas imposibles de demostrar.

En definitiva, El mar nos mira de lejos es una película dura, reservada para un público minoritario puesto que exige mucho trabajo por parte del público; pero, precisamente por ello y gracias a una espectacular poética de la imagen, se convierte en una película difícil de olvidar. 

LA LIBRERÍA. El retrato de una injusticia

FICHA TÉCNICA

Título original: The bookshop. Año: 2017. Nacionalidad: España, Reino Unido, Alemania. Director: Isabel Coixet. Actores: Emily Mortimer, Patricia Clarckson, Bill Nighy, Honor Knefsey, James Lance, Harvey Bennett. Guionista: Isabel Coixet, Penelope Fitzgerald. Música: Alfonso de Villalonga. Producción: A Contracorriente Films, Diagonal TV, Zephyr Films, ONE, TWO Films, Green Films. Género: Drama. Duración: 112 min. Calificación por edades: para todos los públicos. Fecha de estreno: 10/11/2017.

SÍNTESIS
A finales de los años 50 Florence Green decide hacer realidad uno de sus mayores sueños: abandonar Londres y abrir una pequeña librería en un pueblo de la costa británica. Pero para su sorpresa, esta decisión desatará todo tipo de reacciones entre los habitantes de la localidad. 

PUNTUACIÓN 7

CRÍTICA

Desde que Isabel Coixet leyó La librería de Penelope Fitzgerald, rondaba por su cabeza la idea de llevarla al cine, puesto que se sentía muy identificada con su protagonista. 

Emily Mortimer será la encargada de darle vida a Florence Green, el personaje que cautivó a Coixet. La actriz británica encarna a una mujer que se queda viuda en la Inglaterra de finales de los 50, pero que no por eso renuncia a llevar a cabo el sueño que albergaba cuando vivía su marido: fundar su propia librería.

Sin embargo, no estaba bien visto en la época que las mujeres fueran valientes y estuvieran dispuestas a llevar las riendas de su propia vida. Bien se lo harán saber a Florence desde el primer momento. Ella tratará de resistir todos los ataques con fortaleza y grandes dosis de coraje, sin perder por ello la dulzura con los dos aliados que encuentra en su camino: la pequeña Christine, una avispada niña de clase humilde que le servirá de ayudante, y Mr. Edmund Brundish, un hombre solitario y misterioso que se acabará convirtiendo en amigo y mejor cliente de la vendedora.

La Librería es un relato de la injusticia que pueden cometer los poderosos -en este caso ilustrados principalmente por la malvada Mrs. Violet Gamart y su secuaz, Milo North, contra los más desvalidos, sobre todo cuando tratan de resistirse. Aunque también tiene un maravilloso punto de justicia poética que reconforta y que hace que recordemos por qué debemos actuar siempre lo mejor que sepamos, por mucho que nos traten de poner piedras en los zapatos.

Todo ello va envuelto en la dulce melodía y en el olor de los libros, convirtiendo a La Librería en una película delicada, deliciosa y llena de matices que toca las fibras sensibles a pesar de algunos momentos en los que pierde intensidad.

Lo mejor: Florence Green, una mujer trabajadora, que lucha por conseguir sus deseos, que trata de oponerse al poderoso sin perder su humanidad con las personas que la merecen. En definitiva, una protagonista como en el cine debería haber muchas más, pero que, por desgracia, aún son muy escasas.

Lo peor: Algunos momentos en los que la película pierde intensidad, localizados sobre todo en la parte media del largometraje. 

LA HORA DEL CAMBIO. Una sátira política que te hará pensar

FICHA TÉCNICA

Título original: L'ora Legale. Año: 2017. Nacionalidad: Italia. Director: Ficarra e Picone. Actores: Ficarra, Picone, Vincenzo Amato, Antonio Catania, Sergio Friscia, Eleonora de Luca. Guionista: Edoardo de Angelis, Ficarra, Nicola Guaglione, Picone, Fabrizio Testini. Música: Carlo Crivelli. Producción: Tramp Ltd., Medusa Film. Género: comedia. Duración: 88 min. Calificación por edades: para todos los públicos. Fecha de estreno: 11/04/2017.

SINOPSIS

En Petramare, un pequeño pueblo ficticio de Sicilia, están cansados de Patanè, que ha sido su alcalde durante muchos años. Están acostumbrados a vivir con corrupción, con basuras tiradas por las calles, con socavones en cada calzada y excrementos de perro en cada acera y con un aire altamente contaminado por la fábrica del pueblo. Por tener, tienen hasta un puerto al que no llega ni un barco. Ha llegado la hora del cambio. En las siguientes elecciones eligen al otro candidato, Natoli, quien resulta ser un alcalde realmente honrado y estará dispuesto a aplicar todas las normas. Pero, ¿realmente estamos preparados para tener políticos honrados?

CRÍTICA

Ficarra e Picone, un reputadísimo dúo cómico en Italia aunque poco conocido fuera de su país, se ponen delante y detrás de las cámaras para hacer reflexionar políticamente a sus conciudadanos, e indirectamente a los de medio mundo, a través de su último trabajo, La hora del cambio. 

Como ellos mismos dirán, la película nació de un hecho banal, de una conversación en un bar de Sicilia. En ella, un ciudadano se quejaba de la situación política que se está viviendo en el sur de la Península Itálica, a lo que otro le respondía que no toda la culpa es de los políticos, que a los ciudadanos también nos toca una parte no pequeña de responsabilidad. 

Aunque banal, ese diálogo hizo que Ficarra e Picone se dieran cuenta de que era hora de ofrecer a sus compatriotas un espejo en el que mirarse para poder ver los propios defectos, corregirlos y, entonces sí, tener más fuerza y más credibilidad a la hora de reclamar unos políticos honrados y honestos.

La película se ubica en Petrammare, un pequeño pueblo ficticio que los guionistas sitúan al sur de Italia. Aunque los ciudadanos ya están acostumbrados a aguantar la corrupción, aunque ya están habituados a que haya socavones es cada calzada, excrementos de perro en cada acera y basuras por todos lados, aunque sus pulmones están ya hechos a respirar el aire contaminado por los gases de la fábrica del pueblo, sienten que ha llegado la hora del cambio. Así que, en las siguientes elecciones, votarán mayoritariamente al otro candidato, que resultará ser un político realmente honrado y que tratará de cumplir y hacer cumplir absolutamente todas las leyes. Será entonces cuando queden al descubierto los incumplimientos de cada ciudadano y cuando reflexionen sobre si prefieren tener políticos corruptos pero poder defraudar ellos también o si prefieren tener políticos honrados y comportarse en consonancia. 

Quizás la sátira que hay detrás de La hora del cambio no nos llegue tan bien como a los ciudadanos italianos, puede que se pierda fuerza cómica al ser vista por unos ojos distintos para los que estaba destinada en principio la película -ya sabemos que cada cultura tiene un tipo de humor concreto y que es difícil a veces que sea entendido por otros pueblos-. Sin embargo, hay otra parte del largometraje que consigue traspasar las fronteras y convertirse en universal, "porque en todos los puntos del mundo existen ciudadanos que exigen honestidad y legalidad, pero en el momento en que tienen que renunciar a sus propios intereses, a sus ventajas, se lamentan" y acusan de malos políticos a aquellos que quieren recortar sus privilegios. 

Esperemos que germine la semilla y que a alguno de los directores nacionales les de por pasear por el Callejón del Gato para recuperar los espejos de Valle - Inclán 

-no muy alejados de esta película- y crear una versión castiza que sea tan bien acogida como esta cinta por los italianos. Hacer reflexionar a los demás nunca viene mal y La hora del cambio sin duda lo consigue. 

LA HISTORIA DEL AMOR. Un best seller mal adaptado

FICHA TÉCNICA

Título original: The history of love. Año: 2016. Nacionalidad: Francia, Canadá, Rumanía, Estados Unidos. Director: Radu Mihaileanu. Actores: Gemma Arterton. Elliot Gould, Derek Jacobi, Sophie Nélisse, Torri Higginson, Corneliu Ulici. Guionista: Nicole Krauss, Radu Mihaileanu, Marcia Romano. Música: Armand Amar. Producción: 2. 4. 7. Films, Oï, oï, oï Productions. Caramel Film, Panache Productions, Compagnie Cinématographic, La, Libra Films. Género: Drama. Duración: 134 mins. Calificación por edades: Pendiente de calificación. Fecha del estreno: 22/09/2017

SINOPSIS

Nueva York, siglo XXI. Leo, un inmigrante judío polaco, vive el recuerdo del gran amor de su vida. Pese a su dolorosa historia, vive alegremente gracias a su díscola relación con su mejor amigo, Bruno. Al otro lado de la ciudad, Alma, una adolescente llena de vitalidad, encuentra el amor por primera vez y está decidida a encontrar al hombre ideal para que su madre vuelva a casarse. 

Nada parece vincular al viejo Leo y a la joven Alma. Sin embargo, desde la Polonia de los años 30 hasta el Central Park de la actualidad, el manuscrito de un libro llamado "La Historia del Amor" viajará a través del tiempo para unir sus destinos. 

CRÍTICA

Decía Groucho Marx que para él la televisión era muy educativa. Cada vez que alguien la encendía, se retiraba a otra habitación a leer un libro. La historia del amor resulta muy instructiva en un sentido similar. Uno sale del cine con ganas de acudir a la librería más cercana a comprar el best seller de Nicolr Krauss para entender hasta qué punto la cinta es una mala adaptación.
Quizás haya que partir de una ide "un tanto complicada" de entender: si se juntan el estilo estilo narrativo de una novela compleja con las limitaciones de un largometraje, se obtiene una mezcla que combina tan bien como el agua con el aceite.
Esa mezcolanza es el elemento más determinante del celuloide. Y, sin embargo, esto no deja de producir cierto fastidio, porque, ahora con la máscara de la ironía quitada, hay que reconocer que no es ni de lejos lo peor que hay en estos momentos en cartelera.
Las aventuras de Leo Gursky -un inmigrante polaco cuya vida está marcada por la II Guerra Mundial y todas las repercusiones que le acarreó-, los primeros amores de Alma -una joven que teme enamorarse por si se le rompe el corazón-, la historia de unos manuscritos robados... son elementos que, bien hilvanados en un relato sin tantas anacronías y con una estructura más sencilla, podrían hacer disfrutar al espectador con casi toda seguridad.
Quizás hubiera merecido la pena cometer una "traición literaria" pera realizar una versión cinematográfica más fácilmente comprensible. No ha sido así y el resultado es este: un film que deja ese regustillo amargo por algo que, sin ser malo, se intuye que va a ser un fracaso por su excesiva complejidad.
Lo mejor: la excelente actuación de Derek Jacobi, creíble y convincente.
Lo peor: sin duda ninguna, su estructura. Posiblemente, si el relato estuviera narrado de una forma más lineal, mejoraría bastante.

CON LOS BRAZOS ABIERTOS

FICHA TÉCNICA
Título original: À bras ouverts. Año: 2017. Nacionalidad: Francia, Bélgica. Director: Phillippe de Chauveron. Actores: Christian Clavier, Ary Abittan, Elsa Zylberstein, Cyril Lecomte, Nanou García, Oscar Berthe. Guionista: Guy Laurent. Música: Hervé Rakotofiringa. Producción: Camera One, Ouille Productions, Pulsar Productions, SND Films, Nexus Factory, Umedia, M6 Films, Canal+, Cine+, W9, uFund, La Wallonie, Le Tax Shelter du Gouvernement Fédéral de Belgique, Investisseurs Tax Shelter. Género: Comedia. Duración: 92 min. Fecha del estreno: 17/11/2017

SINOPSIS
Un reconocido escritor, Jean-Etienne Fougerole, es un intelectual humanista casado con una rica heredera. Durante un debate en televisión en el que acude a hablar de su nueva novela Brazos abiertos en el que invita a los más necesitados a ir a Francia, su oponente lo desafía a aplicar lo que defiende. Fougerole acepta el reto y esa misma tarde suena su puerta. A partir de ese momento, sus convicciones serán puestas a prueba.

CALIFICACIÓN: 2

CRÍTICA

En este mundo dominado por lo políticamente correcto en el que vivimos, se agradece que alguien se atreva a levantar la voz en contra de ese discurso buenista que presenta a todos los inmigrantes como excepcionales por el mero hecho de haber nacido en otro país, obviando que, como personas que son, su calidad humana puede ser muy diversa.

El personaje de Jean-Etienne Fougerole -un famoso escritor humanista capaz de publicar libros repletos de buenas palabras hacia los extranjeros y, en el fondo, un enorme racista- representa muy bien a esas personas a las que realmente lo que les importa es la fama y la popularidad y que bien podrían entonar la famosa frase de Groucho Marx: "estos son mis principios, si no le gustan, tengo otros".

Ay, qué película tan necesaria podría haber sido Con los brazos abiertos si su intención hubiera sido plantear un debate y no expandir el nauseabundo discurso del odio y la xenofobia.

Y es que, los espejos deformantes que utiliza muchas veces la comedia se pueden colocar de muchas maneras, pero entre ellas, Phillipe de Chauveron ha escogido la más denigrante para todos, dando como resultado un largometraje que provoca muchas más ganas de vomitar que de reflexionar.

En esta supuesta comedia, el escritor Jean-Etienne Fougerole ha sido invitado a un debate televisivo para presentar su última novela, Brazos abiertos. Su postura es la de dar la bienvenida a los inmigrantes más necesitados, a lo que su oponente responde lanzándole el reto de que los acepte en su casa. Éste asume el desafío con la boca pequeña, pero esa misma tarde se presentan en su casa unos romaníes que acumulan casi todos los defectos que los tópicos suelen atribuirle a esta raza. Bueno, en realidad más, porque a un patriarca machista, iletrado y violento hay que añadir un hijo con algún tipo de retraso mental cuya única ocupación en la vida es destrozar el jardín para cazar los topos que después se comerá la familia.

Pero al galo no le ha salido muy bien la jugada, porque cliché tras cliché, barbaridad tras barbaridad, la película va perdiendo cada vez más comicidad -la poca que podía tener al principio- y generando una mayor indignación en el espectador. El también director de Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? se tuvo que dar cuenta de la que se le podía venir encima con esa técnica de despreciar hasta al criado indio, el inmigrante "integrado" de la película, puesto que al final intenta recular un poco; buscando una salida digna para los personajes y tratando de crear un cierto diálogo entre civilizaciones que no hace más que sumar un mayor ridículo a esta cinta.

En fin, que necesitamos debates serios, no estupideces retrógradas que no sirven más que para fastidiar la vida a las personas foráneas que conviven con nosotros sin ningún tipo de problema y para alimentar el discurso de la extrema derecha. Con los brazos abiertos lo único que ha logrado hasta el momento ha sido ponerse en contra a diversas asociaciones vinculadas a las reivindicaciones sociales de la comunidad gitana, irritar a directores comprometidos como Tony Gatlif y ganarse la animadversión de muchos críticos españoles y franceses.

EL TERCER ASESINATO. Una densa reflexión sobre la pena de muerte

FICHA TÉCNICA

Título original:  Sandrome no satsujin. Año: 2017. País: Japón. Director: Hirokazu Koreeda. Actores: Masaharu Fukuyama, Kôji Yakusho, Isao Hashizume, Suzu Hirose, Mikako Ichikawa, Izumi Matsuoka. Guionista: Hirokazu Koreeda. Musica: Ludovico Einaudi. Producción: Kaoru Matsuzaki, Hijiri Taguchi. Género: Thriller. Calificación por edades: a partir de 12 años. Fecha de estreno: 27/10/2017

SINOPSIS

El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas ya que su cliente reconoce ser culpable, lo que probablemente signifique la pena de muerte para él.  Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabiblidad de su cliente.

CRÍTICA

La última película del director Hirokazu Kore-eda comienza con una escena un tanto inquietante. Misumi, un antiguo asesino que acaba de salir a la calle tras pasar treinta años en prisión, se limpia la sangre de un nuevo crimen. En teoría todo está claro: Misumi es culpable, lo hemos visto mientras asestaba el golpe fatal y, además, se ha declarado autor confeso; así que la labor de sus abogados defensores, Shigemori y sus compañeros, será únicamente librarlo de la pena de muerte.

Se abre aquí la primera parte de la película, una historia judicial en la que se debate sobre la estrategia judicial que se llevará a cabo para la defensa del reo y desarrollada en un ambiente demasiado oprimente. Todo pasa por demostrar que no ha sido una muerte por motivos económicos e incluso que ha podido ser encargada por la mujer del fallecido, pero mientras que unos abogados se toman el trabajo como mero trámite, sin importarles lo que haya sucedido en realidad, Shigemori tratará de entender los porqués y las circunstancias que se ocultan tras este horrendo final y los motivos que hacen que no casen todas las piezas.

Pero el letrado no tendrá fácil realizar su labor. La pasividad de algunos de sus compañeros, las paradójicas acusaciones de la fiscalía sobre el papel injusto que desempeñan algunos juristas, los remordimientos de su padre -casualidades del destino, el juez que condenó a Misumi hace treinta años- por no haberle condenado a la pena capital, quizás pudiendo haber salvado así una vida y un preso que se empeña en cambiar continuamente de versión envolverán la acción en un ambiente hostil, haciendo más pesadas aún unas dudas que Shigemori no consigue resolver pese a los esfuerzos que pone en ello.

Finalmente será la hija del difunto, una chica con un leve problema físico y uno de conciencia bastante mayor, quien le aportará algunos datos que le faltan para ver lo sucedido de otra manera. El relato se torna entonces mucho más filosófico y se introduce en las conciencias de cada espectador. Será en ese momento cuando Shigemori decida enfrentarse a un tribunal, tratando de hallar una justicia que parecía perdida desde el primer momento. Sin embargo, más allá de lo que diga el juez, será el público y su moral quien deberá encontrar sus propias respuestas y dictar entonces su propio veredicto.


Lo mejor: La escena de la cárcel después de que Sakie haya aportado una nueva luz sobre el caso. El juego de cámaras, los interrogantes que siembra en el espectador, la brillante actuación de los dos actores... la convierten en una de las más subyugantes de todo el largometraje. 
Lo peor: un inicio un tanto confuso que puede llegar a despistar al espectador.

LA CORDILLERA. Una historia sobre los tejemanejes del poder

FICHA TÉCNICA

Título original: La cordillera. Año: 2017. Nacionalidad: Argentina, Francia, España. Director: Santiago Mitre. Actores: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Erica Rivas, Christian Slater, Elena Anaya, Paulina García, Daniel Giménez Cacho. Guionista: Mariano Llinás, Santiago Mitre. Música: Alberto Iglesias. Producción: Kramer & Sigman Films, Unión de los Ríos, La Mod Producciones, Maneki Films, ARTE France Cinéma, Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales (INCAA), Movistar+, Televisión Federal. Género: Drama. Duración: 114 min. Fecha de estreno: 29/09/2017

SINOPSIS

Hernán Blanco, el presidente de Argentina, se encuentra ante una decisión crucial. Está participando en un encuentro de tres días entre distintos mandatarios de Estado, que tiene lugar en La Cordillera, en Chile. Y desde allí, en plena Cumbre de presidentes latinoamericanos, tendrá que ser capaz de resolver un asunto personal muy complicado que puede afectar tanto a su vida privada como pública. 

CRÍTICA

No hace falta decir que no corren buenos tiempos en materia política. Basta con abrir un periódico o encender dos minutos el televisor para encontrarse con un nuevo escándalo. Películas como La hora del cambio o La Cordillera reflejan que la podredumbre de las altas esferas es algo universal sobre lo que debemos reflexionar. 

Podría decir que el último largometraje protagonizado por Darín narra las negociaciones que tienen lugar durante una cumbre de presidentes sudamericanos con el fin de fijar el precio del petróleo, aunque no sería del todo correcto. Más bien relata "las partidas de ajedrez" que se juegan en las trastiendas o incluso en las cloacas del poder, por la que se mueven actores no invitados y en las que se crea una realidad que va mucho más allá de lo que los ciudadanos de a pie somos capaces de ver y de comprender.
Es significativo ese Blanco que lleva el protagonista como apellido y que da a entender que no hay nadie inocente en ciertos mundos, por mucho que aparenten ser personas tan normales como usted o como yo, que interpreten ser tan amantísimos padres o que vayan "vestidos" de colores puros. Como ya decía, nada es como parece y las historias paralelas (un asunto familiar escabroso, un suceso sobrenatural...) no harán más que profundizar en esa idea, llenándolo todo de oscuridad.
Una negrura que produce un fuerte contraste con la cordillera de los Andes, donde sucede la mayor parte de la película, y con la inocencia, esta vez sí real, de una hija que enferma ante la situación que le rodea y que dejará una escena más heladora que la nieve del paisaje.

Lo mejor: se podrían señalar muchas cosas buenas, pero la actuación de Dolores Fonzi, especialmente al final, impresiona.
Lo peor: un final totalmente anticlimático que hace dudar de si la película se ha terminado o no. 

HANDIA. Jon Garaño y Aitor Arregi hacen grande el cine vasco

FICHA TÉCNICA

Título original: Handia. Año: 2017. Nacionalidad: Euskal Herria. Directores: Aitor Arregi, Jon Garaño. Actores: Ramón Agirre, Iñigo Aranburu, Iñigo Azpitarte, Aia Kruse, Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga. Guionistas: Aitor Arregi, Andoni de Carlos, Jon Garaño, Jose Mari Goenaga. Música: Pascal Gaigne. Producción: Irusoin, Kowalski Films, Moriarti Produkzioak. Género: Drama. Duración: 105 min. Calificación por edades: para mayores de 12 años. Fecha de estreno: 20/10/2017

SINOPSIS

Tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista, Martín vuelve a su caserío familiar en Gipuzkoa y allí descubre con sorpresa que su hermano menor, Joaquín, es mucho más alto de lo normal. 

Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande sobre la Tierra, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia. 

CRÍTICA

Que se pueda ver un largometraje en una lengua peninsular distinta del castellano en el centro de Madrid es algo que no sucede todos los días. Que el día del preestreno haya dos salas de cine llenas casi hasta la bandera para ver una película vasca en Madrid es algo de lo que no sé si hay precedente siquiera. Pero si uno tiene en cuenta que detrás de ella están Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga, capaces de hacer que una película en euskera y rodada sin apenas medios sea nominada a los Goya y candidata a los Oscar, se entiende mucho mejor. 

Handia poco tiene que ver argumentalmente con su predecesora, pero el listón de calidad sigue estando a la misma altura. Esta vez el equipo técnico ha querido llevar a escena una historia basada en hechos reales: las complicadas relaciones entre Miguel Joaquín Eleicegui, más conocido como el gigante de Altzo -un guipuzcoano que aquejado de acromegalia llegó a convertirse en uno de los hombres más grandes de su época, con 242 metros de altura y 203 kilos de peso- y de Martín, quien tras volver de la Primera Guerra Carlista, no tuvo pudor en separar a su hermano de la felicidad que vivía en su pequeño pueblo y explotarlo comercialmente, exhibiéndolo en espectáculos frikis de media Europa. 

Sin embargo, al igual que Loreak, Handia es capaz de dejar multitud de preguntas en la mente del espectador: ¿se pueden detener los cambios? ¿Podemos permitirnos cambiar a cualquier precio? ¿Nuestra ambición, nuestras ganas de crecer cada vez más no estarán condenando a alguien más al sufrimiento, en el caso de las relaciones de Martín y Joaquín? Y toda esta trama envuelta en los bellos parajes del País Vasco y en la música de Paul Gaigne. 

Todo lo dicho anteriormente no significa que sea una película perfecta. Como todas, tiene fallos: algunas escenas demasiado grotescas, alguna irregularidad en el ritmo narrativo... Pero que un filme con unas limitaciones presupuestarias de una cinta en euskera sea tan digna y hermosa como esta, no deja de ser merecedor de admiración. En definitiva, Handia es una excelente obra independientemente de su lengua que supone un paso de gigante para el cine vasco. 

Lo mejor: El conjunto de todos los elementos. Es una película llena de encanto. 

Lo peor: La escena de la reina. Es cierto que es verosímil; es verdad que la explicación de Jon Garaño sobre ella es muy convincente, pero resulta incómoda.  

EL ÚLTIMO TRAJE. El valor de una promesa

FICHA TÉCNICA

Título original: El último traje. Año: 2017. Nacionalidad: España, Argentina. Director: Pablo Solarz. Actores: Miguel Ángel Solá, Ángela Molina, Martín Piroyanski, Natalia Verbeke, Julia Beerhold, Olga Boladz. Guinista: Pablo Solarz. Música: Federico Jusid. Producción: Gobierno de Canarias, Haddok Films, Hernández y Fernández Producciones Cinematográficas, Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales. Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, Movistar+, Neon Productions, Patagonik Film Group, Rescate Producciones, Tornasol Films, Zampa Audiovisual. Fecha de estreno: 06/10/2017

SINOPSIS

Abraham es un sastre judío que tiene una promesa que cumplir. Al final de la II Guerra Mundial un amigo le salvó de la muerte y juró volver algún día para contarle cómo fue la vida que vivió gracias a él. Siete décadas después, Abraham decide que es el momento de cumplir esa promesa. 

El último traje es la historia de una amistad sin límites, una roadmovie del emotivo viaje que Abraham tendrá que hacer para llegar a Polonia desde Argentina cruzando media Europa con la ayuda de algunos personajes que cambiarán su manera de ver el mundo. Sentimientos y humor se entrelazan a lo largo de los encuentros y reencuentros que tejen esta película. 

CRÍTICA

El 1 de septiembre de 1939 las tropas alemanas invadieron Polonia, comenzando así la II Guerra Mundial. Más de cinco millones y medio de muertos y muchos exiliados dejaron unas heridas difíciles de cicatrizar y que aún siguen sangrando en la memoria de todos los supervivientes y en la de sus descendentes. 

Pablo Solarz, director y guionista de El último traje, es unos de los herederos de aquellas historias y de aquellos traumas. Miguel Ángel Solá representa a otro: Abraham Bursztein, trasunto del abuelo del director, un sastre polaco que se refugió en Argentina durante el nazismo y que, sintiéndose poco querido por por sus familiares y ya en el ocaso de su vida, sale al encuentro de un amigo que le salvó de la muerte hace siete décadas con la intención de cumplir su promesa de volver un día para contarle la vida que pudo vivir gracias a él. 

En esta road movie no carente de humor pero tampoco de dificultades, asistiremos a un viaje por toda Europa, representando en tres países muy significativos para él: España, Alemania y Polonia. Cada país constituye una herida por sanar y en cada uno encontrará una mujer que le ayudará a cicatrizar su dolor. 

Lo mejor: un final hermoso y muy emotivo. 

Lo peor: la sordidez de la primera parte y, peor aún, la sensación de que hay una realidad que se le asemeja. 

CHURCHILL. Historia oculta del día D

FICHA TÉCNICA

Título original: Churchill. Año: 2017. Nacionalidad: Reino Unido. Director: Jonathan Teplitzky. Actores: Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery, Ella Purnell, Julian Wadham, Richard Durden. Guionista: Alex von Tunzelmann. Música: Lorne Balfe. Producción: Salon Pictures, Tempo Productions Limited, Head Gear Films, Metrol Technology. Género: Drama. Duración: 105 min. Calificación por edades: Para mayores de 7 años. Fecha de estreno: 08/09/2017

SINOPSIS

En 1944 las fuerzas aliadas -un millón de soldados reunidos en la costa sur inglesa- están preparados para el desembarco. 48 horas antes de la operación, Winston Churchill se enfrenta con sus generales y aliados norteamericanos para decidir cómo afrontar lo que se convirtió en el punto de inflexión de la Segunda Guerra Mundial. Si la campaña del día D fallara, teme ser recordado como el arquitecto de una carnicería. 

CRÍTICA

Año 1944: II Guerra Mundial. Francia está ocupada por la Alemania nazi. Estados Unidos, el Imperio Británico y la Unión Soviética estudian cómo liberarla. El plan: hacer un gran desembarco en las playas de Normandía como estrategia para reingresar al combate en Europa Occidental, haciendo disminuir el dominio germano. El 6 de junio, el día D para iniciar la Operación de Overlond. Los mandos políticos que estuvieron detrás de todo esto: Churchill (Imperio Británico) Eisenhower (EE. UU.) y Stalin (URSS). 

En este contexto se desarrolla Churchill, que pese a lo que puede hacer pensar su título, no es una biografía, sino el retrato de lo que vivió los tres días anteriores al desembarco. 

Brian Cox da vida de forma soberbia y magistral a un Churchill que no conocíamos hasta el momento. Atormentado por los recuerdos de la masacre ocurrida en la batalla de Galípoli (I Guerra Mundial), teme aceptar los planes de Eisenhower e incluso se rebela contra ellos. Ni su mujer (Miranda Richardson) ni el consejero real Jan Smuts (Richard Durden) consiguen sacarle de su estado de angustia, lo que constituirá el eje central de la película. 

Espectaculares son también las actuaciones de Miranda Richardson, que encarna a la mujer de Churchill y de Ella Purnell en el papel de secretaria. 

Churchill es una película instructiva y muy interesante, protagonizada por unos actores que hacen un papel brillante y que a pesar de durar casi dos horas no se hace larga. 

Lo mejor: el reparto. Todos los actores hacen un trabajo fabuloso, si bien es especialmente reseñable la actuación de Brian Cox, Ella Purnell y Miranda Richardson. 

Lo peor: aunque es difícil señalarle puntos negativos, quizás uno de ellos sea que tiene un final demasiado sensiblero para todo el dramatismo anterior. 

CONVERSO - Una película de amor más allá de la fe

FICHA TÉCNICATítulo original: Converso. Año: 2017. País: España. Director: David Arratibel. Guionista: David Arratibel. Producción: Filmotive, Zazpi T'erdi. Género: documental. Duración: 61 minutos.  Fecha de estreno: 29/09/2017

SINOPSIS

"Toda mi familia se ha convertido a la fe católica. La distancia con ellos se hacía cada día más grande, así que me propuse hacer una película para entender como el Espíritu Santo había entrado en sus vidas y, de alguna forma, también en la mía. Una película de cariños, ausencias y distancias". 

CRÍTICA

Amor, prejuicios, conflictos familiares y fe son los ingredientes fundamentales del último documental de David Arratibel, la primera de sus obras que es capaz de pasar de las pantallas de los festivales a las salas de los cines comerciales, tras recibir en su periplo el Premio del Público en el festival Punto de Vista y la Biznaga de Plata al mejor director en la sección oficial de documentales del Festival de Málaga. 

Hace unos diez años el cuñado del director navarro se reencontró con el catolicismo. Uno tras otro todos los miembros de la familia del cineasta fueron abrazando aquella misma fe. Todos menos él, que veía como, a medida que crecían las creencias de sus seres queridos, aumentaba también la distancia que le separaba de ellos. Como el náufrago que lanza un mensaje en la botella con la esperanza de ser rescatado, se puso detrás de la cámara con la intención de superar los prejuicios y no dejar ni una conversación enquistada pendiente. 

Muchas horas de grabación y veintidós versiones diferentes más tarde, surgió una película muy personal, que va evolucionando tanto formal como temáticamente, pasando de la religión a los conflictos familiares y a los prejuicios que los han originado y de la entrevista en tercer plano al diálogo directo. 

Converso es una película que quizás no esté destinada a arrasar en taquilla ni a llegar a un público mayoritario, pero, además de emocionar a las personas creyentes, cuenta con ingredientes suficientes para hacer disfrutar a los interesados en entender las relaciones familiares, haciendo reflexionar sobre cómo los prejuicios y los malentendidos pueden estropear su armonía. 

Lo mejor: la conversación de David Arratibel con su hermana Paula. Buen ejemplo de que las cosas no son siempre como uno cree. 

Lo peor: para alguien no católico hay partes que resultan un poco pesadas.